serie "tiempo de mujer"
monocopia sobre lienzo
0,35 x 0,50 m.
2005
jueves, 14 de junio de 2007
proyecto aiken
Elizabeth Arnold
María Emilia Imahorn
Pintura, Grabado, Objetos, Diseños
Año 2006
“Si uno no entiende la utilidad de lo inútil
y la inutilidad de lo útil, no puede entender el arte…”
(Ionesco)
Introducción
Las categorías históricas a través de las cuales han sido interpretadas durante muchos años las producciones culturales del pasado, han abierto ciertos abismos aparentemente irreconciliables debido a la rigidez con que se manejan factores como el tiempo y el espacio.
No obstante, según palabras de Amelia Podetti en su obra “La irrupción de América en la Historia” , la visión histórica desde el punto de vista de América sería particular, ya que aparece como una “matriz unificadora” que recoge, sintetiza y transmuta todo lo que a ella llega reduciendo a una unidad compleja los diversos aportes culturales. Esta virtud de unidad mostraría que existe una vocación de universalidad en la propia particularidad cultural de América como lugar desde el cual se hace accesible la comprensión de la tierra como totalidad.
Frente a este panorama, como artistas americanas y a través de las prácticas estéticas, nos introducimos en un campo desde el cual sería posible compensar en cierta manera algunos de aquellos vacíos originados en las categorizaciones históricas. El diseño como herramienta de trabajo y vía de reflexión nos provee de elementos que permiten poner en marcha la tarea de acortar estas distancias.
Ningún artista parte jamás de cero, ha heredado un lenguaje básico de diseños que la humanidad ha estado desarrollando durante miles de años. En su obra los elementos del lenguaje ya existente se modifican, se combinan y/o se adaptan para producir un resultado original.
En este proyecto intentamos mediar las producciones de las civilizaciones americanas precolombinas con las de antiguas culturas de Asia (China y Japón). No es nuestra intención encontrar una influencia histórica o geográfica real entre ambas culturas, sino que nos valemos como estrategia de diseño de las similitudes simbólicas y formales de estas producciones, así como de las divergencias, a fin de remarcar el concepto de opuestos que interactúan y se condicionan para alcanzar un punto de equilibrio, idea fundamental en la cosmovisión de estos pueblos.
Asimismo, y conscientes de que la expresión “Bellas Artes” se inventó para distinguir a éstas de las “Artes útiles”, y de que existe aún hoy un conflicto sin resolver entre ambas categorías, intentamos probar que un buen diseño funciona tanto en uno como en otro campo.
Mediante la creación de una imaginería que nos sea propia, compuesta de símbolos colectivos, desarrollamos un sistema particular para la generación de obras que plasman nuestra propuesta estética.
Desarrollo
Hasta las décadas del 60 y 70 el estructuralismo como corriente de pensamiento gobernaba casi todos los campos de la teoría. La idea de una realidad estructurada, se inicia a partir de Ferdinand de Saussure, pensando en el lenguaje como modelo respecto del cuál se pueden explicar todos los sistemas sociales de significación.
Los posestructuralistas indagan el “signo” y llegan a la conclusión de que es arbitrario y que el concepto significado nunca está totalmente presente en él, siendo sólo la representación incompleta de algo que, como totalidad, es imposible de representar.
Una de las tendencias más salientes del posestructuralismo es la deconstrucción, teoría del pensador francés Jaques Derrida que trasciende el ámbito lingüístico y trata de subsanar la limitación de los signos. Derrida explica que cuando observamos un signo establecemos relaciones con nuestra historia, con nuestra memoria y que estas relaciones (que están ausentes), son las que completan el signo.
La deconstrucción está sujeta a una organización espacial que altera el criterio tradicional de estructura. No destruye las formas, lo que hace es desarticular y reorganizar hechos artísticos. No se trata de desmantelar, sino de buscar nuevos equilibrios.
En esta teoría posmoderna el mundo del pasado y la visión del hombre actual se entrelazan en diálogo, hacia la creación de nuevos signos.
El posmodernismo es definido por muchos pensadores contemporáneos como un cambio que coincide con el ingreso de la sociedad en la llamada era posindustrial, el desplazamiento de la mano de obra industrial a los servicios, a la cibernética y a otras formas de alta tecnología. En el campo artístico, al hablar de fin de la modernidad, se habla de muerte del arte. A pesar de esto, muchos de estos pensadores coinciden en que más que de la muerte del arte, se trata de la transformación de un sistema en muchos sistemas, en diferentes maneras de producir, codificar, transmitir o asimilar los mensajes estéticos.
Los procesos utilizados para la generación de nuestra obra hallan anclaje dentro de este marco de reflexión.
Los signos deconstruidos en nuestras obras pertenecen a las culturas precolombinas de América y las antiguas culturas orientales de China y Japón.
Estas iconografías, seleccionadas de culturas ancestrales, cuya fusión sólo se hace posible a través de una poética que nos es propia, intentan provocar una reflexión desde nuestra condición de cultura mestiza.
Las categorías históricas a través de las cuales han sido interpretadas durante muchos años las producciones culturales del pasado, han abierto ciertos abismos aparentemente irreconciliables debido a la rigidez con que se manejan factores como el tiempo y el espacio.
No obstante, según palabras de Amelia Podetti en su obra “La irrupción de América en la Historia” , la visión histórica desde el punto de vista de América sería particular, ya que aparece como una “matriz unificadora” que recoge, sintetiza y transmuta todo lo que a ella llega reduciendo a una unidad compleja los diversos aportes culturales. Esta virtud de unidad mostraría que existe una vocación de universalidad en la propia particularidad cultural de América como lugar desde el cual se hace accesible la comprensión de la tierra como totalidad.
Frente a este panorama, como artistas americanas y a través de las prácticas estéticas, nos introducimos en un campo desde el cual sería posible compensar en cierta manera algunos de aquellos vacíos originados en las categorizaciones históricas. El diseño como herramienta de trabajo y vía de reflexión nos provee de elementos que permiten poner en marcha la tarea de acortar estas distancias.
Ningún artista parte jamás de cero, ha heredado un lenguaje básico de diseños que la humanidad ha estado desarrollando durante miles de años. En su obra los elementos del lenguaje ya existente se modifican, se combinan y/o se adaptan para producir un resultado original.
En este proyecto intentamos mediar las producciones de las civilizaciones americanas precolombinas con las de antiguas culturas de Asia (China y Japón). No es nuestra intención encontrar una influencia histórica o geográfica real entre ambas culturas, sino que nos valemos como estrategia de diseño de las similitudes simbólicas y formales de estas producciones, así como de las divergencias, a fin de remarcar el concepto de opuestos que interactúan y se condicionan para alcanzar un punto de equilibrio, idea fundamental en la cosmovisión de estos pueblos.
Asimismo, y conscientes de que la expresión “Bellas Artes” se inventó para distinguir a éstas de las “Artes útiles”, y de que existe aún hoy un conflicto sin resolver entre ambas categorías, intentamos probar que un buen diseño funciona tanto en uno como en otro campo.
Mediante la creación de una imaginería que nos sea propia, compuesta de símbolos colectivos, desarrollamos un sistema particular para la generación de obras que plasman nuestra propuesta estética.
Desarrollo
Hasta las décadas del 60 y 70 el estructuralismo como corriente de pensamiento gobernaba casi todos los campos de la teoría. La idea de una realidad estructurada, se inicia a partir de Ferdinand de Saussure, pensando en el lenguaje como modelo respecto del cuál se pueden explicar todos los sistemas sociales de significación.
Los posestructuralistas indagan el “signo” y llegan a la conclusión de que es arbitrario y que el concepto significado nunca está totalmente presente en él, siendo sólo la representación incompleta de algo que, como totalidad, es imposible de representar.
Una de las tendencias más salientes del posestructuralismo es la deconstrucción, teoría del pensador francés Jaques Derrida que trasciende el ámbito lingüístico y trata de subsanar la limitación de los signos. Derrida explica que cuando observamos un signo establecemos relaciones con nuestra historia, con nuestra memoria y que estas relaciones (que están ausentes), son las que completan el signo.
La deconstrucción está sujeta a una organización espacial que altera el criterio tradicional de estructura. No destruye las formas, lo que hace es desarticular y reorganizar hechos artísticos. No se trata de desmantelar, sino de buscar nuevos equilibrios.
En esta teoría posmoderna el mundo del pasado y la visión del hombre actual se entrelazan en diálogo, hacia la creación de nuevos signos.
El posmodernismo es definido por muchos pensadores contemporáneos como un cambio que coincide con el ingreso de la sociedad en la llamada era posindustrial, el desplazamiento de la mano de obra industrial a los servicios, a la cibernética y a otras formas de alta tecnología. En el campo artístico, al hablar de fin de la modernidad, se habla de muerte del arte. A pesar de esto, muchos de estos pensadores coinciden en que más que de la muerte del arte, se trata de la transformación de un sistema en muchos sistemas, en diferentes maneras de producir, codificar, transmitir o asimilar los mensajes estéticos.
Los procesos utilizados para la generación de nuestra obra hallan anclaje dentro de este marco de reflexión.
Los signos deconstruidos en nuestras obras pertenecen a las culturas precolombinas de América y las antiguas culturas orientales de China y Japón.
Estas iconografías, seleccionadas de culturas ancestrales, cuya fusión sólo se hace posible a través de una poética que nos es propia, intentan provocar una reflexión desde nuestra condición de cultura mestiza.
miércoles, 13 de junio de 2007
perfomance "El Gran Lienzo"
La obra "ser...tiempo, el gran lienzo", políptico, de técnica experimental basado en los principios de la monocopia y realizado en el año 2004, surge como documentación de un proceso con características de perfomance.
Luego de investigar diferentes fórmulas, preparo una tinta a base de sustancias grasas, glicerina y pigmentos, no tóxica, que no se impregne en la piel de los participantes, apta para lograr una fijación permanente en la tela.
Durante 30 días, procedo a registrar rostros, yuxtapuestos arbitariamente sobre la tela de cinco metros de longitud. Este registro se expone en la Galería de Arte del Pabellón Argentino, Ciudad Universitaria, Córdoba, en el mes de diciembre del mismo año.
Posteriormente, fragmento el lienzo en seis piezas, las que son tensadas sobre sendos bastidores, componiendo el políptico que fuera expuesto en el año 2005 en la Escuela de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta, Ciudad de las Artes, Córdoba.
la perfomance
detalles
LAS MATRICES:
fernando alexis maldonado
fernando alexis maldonado
maria emilia imahorn
elizabeth ines arnold
jesica ines maldonado
nestor jesús giménez
natalia soledad perez
ramiro buteler deza
eloy buteler deza
alexis emannuel contreras
eva emilia quiroga
rossana deza quiroga
sergio buteler yofre
jennifer haustein
carla giselle palacios
ruben sebatian arnold
mauro sebastián zabaley
ines margarita morandin
ingrid elizabeth maldonado
laura cristina arnold
analia maria ester arnold
juan manuel palacios
jonathan haustein
romina gabriela montes
eric haustein
axel guillermo maldonado
maria gabriela bilbao
rosa ana larrabure
ana luisa bondone
monica graciela promolosky
eugenio eleazar cuevas
natalia morandi
santiago bautista gonzalez
hernan ciancia
victor eduardo suarez
laura vergara
fernanda marín
últimas exposiciones
Proyecto Aiken - Pinturas, Grabados, Objetos y diseños
aplicados a joyería, indumentaria y equipamiento
Galería de Arte del Pabellón Argentina - Ciudad Universitaria - Córdoba 2006
Muestra Didáctica sobre las diferentes técnicas de Grabado: aguatinta, aguafuerte, Xilografía, Serigrafía, Collagraph, Planograf, Cincografía, Punta Seca, Fosa, Gofrado, Mezzotinta, técnicas experimentales y nuevas tecnologías.
Museo de la Colonia, Esperanza, Santa Fe - 2005
Los tiempos... del tiempo Instalación
Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño- UNC - Córdoba 2004
antes... Instalación- (Estampa digital-planograf-Video Instalación)
Pabellón Argentina- Ciudad Universitaria- Córdoba 2003
datos personales
Lic. Elizabeth Arnold
Artista Plástica, Docente, Diseñadora de Interiores.
Resido en la ciudad de Córdoba, Argentina.
Dirijo la Galería Posgraduarte, en la Escuela de Graduados de la Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño, Universidad Nacional de Córdoba.
Avenida Velez Sarsfield 264 - 2º piso, 2º Cuerpo. TE: 0351-4332091 al 96 interno 131
TE: 0351- 156290927
E-MAIL: aluen83@faudi.unc.edu.ar / aluen@faudi.unc.edu.ar
curriculum
Hola! soy Elizabeth Inés Arnold, nací en Córdoba, Argentina, el 23 de Julio de 1956.
Licenciada en Grabado (Universidad Nacional de Córdoba), Decoradora de Interiores, Técnica en Amoblamiento y Experta en Arte Decorativo (Escuela Superior de Decoración, Artesanía y Cerámica).
He realizado otros cursos de formación en: Legislación Docente, Reforma Administrativa, Alta Dirección, Gestión de Calidad, Programación Neuro Lingüística, Gestión de Exposiciones, Montaje de Exposiciones, Escenografía, Títeres, Fotografía, Dibujo, Pintura y Programas informáticos de Diseño (Autocad, Corell Draw, Adobe Photoshop, Dreamweaver, Fireworks).
En 1983 me radiqué en la provincia de Santa Cruz donde integré la Asociación de Artistas Plásticos Santacruceños. Durante mi estancia en la patagonia me desempeñé como Directora de Cultura de la Municipalidad de Pico Truncado y Directora de Cultura y Educación de la Municipalidad de Caleta Olivia, entre los años 1984 y 1992, ejerciendo además tareas docentes en los niveles primario, medio y superior.
En el año 2005 obtuve el Premio Universidad 2004, Mención de Honor, otorgado por la Universidad Nacional de Córdoba a los egresados de actuación académica destacada.
Actualmente soy profesora de Sistemas de Representación II, turno noche, de la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta, docente adscripta a las cátedras Arte Argentino y Latinoamericano y Diseño e Interrelación de las Artes, FFyH, U.N.C.
Integro el Equipo de Investigación del Proyecto “Diccionario de Artistas Contemporáneos de Córdoba (S. XX y XXI)” CIFFyH , U.N.C., con el auspicio de SECyT y la Agencia Córdoba Cultura. Desde el año 2004 me desempeño como Curadora de Muestras de Arte en Adagio Artes y, a partir de agosto de 2006, en la Galería Posgraduarte (Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño – UNC)
He realizado numerosas muestras individuales y colectivas de pintura, grabado tradicional, fotografía, estampa digital, video instalación.
Entre mis últimas exposiciones individuales puedo destacar:
2006 “Proyecto Aiken” – Pinturas, objetos, diseños – Galería de Arte del Pabellón Argentina - Ciudad Universitaria- Córdoba
2006 “Proyecto Aiken” – Pinturas, objetos, diseños – Galería de Arte del Pabellón Argentina - Ciudad Universitaria- Córdoba
2005 “Tiempos de Grabado” – Muestra Didáctica sobre diferentes técnicas de Grabado- Museo de Arte Héctor Borla- Casa de la Colonia -Esperanza- Santa. Fe
2004 “Los tiempos... del Tiempo” – Instalación - Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño. UNC. Córdoba.
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